El largo viaje del día a la noche.

    Con motivo del centenario del nacimiento de Maria Callas, el Teatro Real revisita la tragedia de Eurípides con revisiones a partir de la edición original francesa. Luigi Cherubini firmó la propuesta inicial que se presenta ahora con una partitura inédita de los recitativos que, en versión de Alan Curtis, imita su estilo. En la transición del neoclasicismo al romanticismo se corrigen los saltos del original disparate estilístico con coherencia y una excelente orquestación

   Juegan en este montaje la época mítica y la cronológica; la eternidad frente a la concreción. Se superponen los universos de lecturas actualizadas a cómo era el universo en periodos remotos.  Medea se resiente del rechazo de su amado Jasón y le devuelve la ofensa vengándose con el parricidio de sus hijos comunes. Unos niños, silentes y casi ausentes, son la moneda de cambio de rencores y conflictos no resueltos.

   La obertura inicia el proceso de aggiornamento con la presencia de una madre que mata a sus hijos en un ataque de desesperación. A partir de ese momento, se entretejen aportaciones actualizadoras de un mensaje que sitúa el foco de atención en la violencia ejercida contra la infancia desplazándolo de posiciones anteriores. En las pausas se aportan cifras y estadísticas, se citan los derechos del niño y, mientras tanto, la semidiosa nigromante se debate con la lucha interior entre la mujer, la amante y la madre en una batalla de final declarado en la que el determinismo de los instintos ya dictó su sentencia fatal.

   Saioa Hernández reina en la cúspide de este tour de force, que en palabras de Joan Matabosch, supone la “cumbre de la música dramática” con una línea vocal más declamada que melódica. Su técnica y los matices de su timbre la confirman en la posición internacional que ya ocupa. En las múltiples combinaciones de reparto que las funciones brindan figuran nombres como Maria Agresta y Maria Pia Piscitelli como Medea y Nancy Fabiola Herrera y Silvia Tro Santafé como Néris, en una apuesta de proporciones monumentales. El nivel vocal es alto y la batuta de Ivor Bolton lo rige todo ello.

   Paco Azorín dirige escena y escenografía con la, una vez más, industrial ambientación que, mediante ascensor, paneles y plataformas, traza líneas fronterizas entre los distintos planos de la narración y una clara estratificación con la simbología del descenso a capas profundas. La iluminación ayuda en la creación de ambientes, siempre con la penumbra o semioscuridad como referentes. El vestuario es mayoritariamente monocromo y en el caso de Medea, aburridamente funcional en su intento de atemporalidad. El lucimiento de sus tatuajes suma aspectos simbólicos y mágicos al personaje. Sólo se permiten momentos de lujosa creatividad en las ceremonias con concesiones al rito ortodoxo. Los inevitables uniformes y los grupos antidisturbios no aportan nada al imaginario simbólico del poder y la fuerza. Es creativa y aporta dinamismo la incorporación de las furias con una imagen en la que destaca la potencia de la caracterización. 

   Novedad en el organigrama de la casa también supone la incorporación de José Luis Basso a la dirección del coro en sustitución de Andrés Máspero. Su colaboración en este proyecto es imprescindible en escenas concretas.

   Propuesta hermética en la que los aspectos oníricos e interiores tienen un peso determinante, supone una acertada elección en el arranque de temporada en el Teatro Real. Su oscuridad y obsesiva atención a los rasgos trágicos en detrimento del tradicional romanticismo, junto con sus extremas dificultades vocales, centran la acción en los aspectos humanos de una mujer que, desde su remoto territorio mágico y simbólico, permite interpretaciones y visones actuales.

Lo mejor:

La calidad global de la propuesta, con voces y montaje sobresalientes..

Lo peor:

El vestuario.