Direcció y versión
Xavier Alberti

Dramaturgia
Albert Arribás

El deseo como imperio: la obsesión por la conquista.

     Enmarcado en uno de los ejes temáticos de la programación de la CNTC de esta temporada (el otro es “La vida es sueño”), surge este montaje versionado y dirigido por Xavier Albertí y basado en el texto, supuestamente, de Tirso de Molina, uno de los pilares del, tal vez, mito más productivo de la cultura española. En nuestro imaginario pesan mucho otras versiones (Mozart, Moliére, Lord Byron, Zorrilla…) que han enriquecido (o deformado) los matices del personaje original.

   Esta obra es revolucionaria en muchos aspectos: desde que un fraile mercedario escribiera ardientemente sobre un deseo tan carnal, hasta que se hable de la mujer y su sexualidad como arma dependiendo de quién haga uso o se beneficie de la misma. El matiz político en lo que respecta a la legalidad impuesta y su ruptura planea sobre todo este siglo XVII en el que se sitúa. El rey desearía ser un labriego y desprenderse de la carga de vidas y haciendas de unos súbditos que ya cobran conciencia de su papel en el nuevo sistema que se está gestando con nuevas concreciones morales, éticas y de poder.

   Se han suprimido algunos personajes para aligerar la duración y también para concentrar los hilos argumental y temático. La escenografía es de suma simplicidad, con una mesa giratoria que igual sirve para un banquete, altar, tálamo o sepulcro. La monocromía se impone en este montaje con cambios de escenario no siempre bien explicados. El vestuario (monocromo también) y la caracterización parecen abundar en la idea de obra interior en la que los alardes externos se eliminan y se alcanza un entorno en blanco y mucho negro que puede provocar confusión. La iluminación sí resulta excelente en la creación de atmósferas. Bajo la batuta del director, no todas las actuaciones resultan creíbles ni eficaces en su intensidad: se echa de menos decir el verso con mayores ritmo y convencimiento, especialmente por parte de Mikel Arostegui, cuyo físico exhibido no basta para salvar su personaje tan central. Se integran músicas (Don Giovanni) y alusiones a versiones posteriores que aportan algo de variedad a la densidad de este montaje.

  Tras la herencia de versiones memorables (Marsillach, Narros, incluso Facal), esta reinterpretación se añade al catálogo contemporáneo de Donjuanes que van reconstruyendo el mito con adiciones nunca desdeñables. El texto de Tirso permanece poderoso en su eternidad y belleza dramática, tan español y tan universal.

Lo mejor:

Los efectos escénicos y la iluminación.

Lo peor:

La dicción del verso, sobre todo en Don Juan, y un diseño escénico monótono.