Duelo de reinas del día y de la noche.

    El Teatro Real salda una de sus (inexplicables) deudas con la Historia al estrenar “Adriana Lecouvreur” con su actual producción. Nunca había sido programada en su escenario, aunque en Madrid le cupo el honor al Teatro de La Zarzuela hace medio siglo. En aquella ocasión fue José Carreras quien brindó su voz y ahora se le dedican estas funciones a modo de homenaje. Habría sido hermoso y emocionante contar con su presencia en la jornada del estreno.

   Francesco Cilea, representante del tardoverismo, toma de la realidad el legendario final de la Lecouvreur, lo poetiza y dota de rasgos escénicos una relación que sacudió los cimientos de la “buena” sociedad de la época. La historia es sobradamente conocida: Adriana, actriz en el exótico París dieciochesco, se relaciona con el codiciado Maurizio, duque de Sajonia. Los celos radicales de la duquesa de Bouillon tuvieron algo que ver con el prematuro e inesperado fallecimiento de la actriz a sus 38 años. Dicen los contemporáneos que un ramo de flores envenenado provocó su muerte y, tras la negativa de la Iglesia a enterrarla en sagrado, los aspectos legendarios la encumbraron a otros olimpos nada terrenales.

   Un doble reparto de altura defiende la solvencia de la propuesta: Ermonela Jaho y Maria Agresta asumen el papel protagonista con Elina Garanca como Principessa di Bouillon (recuerda a la Königin der Nacht mozartiana), Brian Jadge y Nicola Alaimo en el primer reparto y en el segundo, Ksenia Dudnikova, Matthew Polenzani y Manel Esteve completan el póker de protagonistas. Sus voces y registros dramáticos, necesariamente desiguales, pugnan por equilibrar el siempre delicado fiel de la balanza entre canto y actuación.

   Nicola Luisotti, ya connaisseur del coliseo capitalino, empuña la batuta y aporta los matices que una partitura con múltiples códigos requiere. La orquesta suena sugerente y sutil en pasajes líricos y los matices de un barroco arcaico enriquecen la rica propuesta visual. Coro y bailarines permanecen en su elevada tribuna de calidad, comme d´habitude.

   La escenografía corre a cargo de David McVicar, un valor seguro. Su conocimiento de otras épocas, basado en el estudio y en la investigación, le permiten abordar sus propuestas con respeto, coherencia y una gran sutileza estética, sacrificando en ocasiones un deslumbrante y fácil resultado ante la eficacia conceptual de la ópera como ejercicio de globalidad artística. Impagables resultan sus decisiones respecto al teatro dentro del teatro y un bellísimo y delicado juicio de Paris.

   Vestuario, peluquería, caracterización y ambientación brillan muy altos en calidad y seriedad. Mención especial merece la iluminación: sutil, eficaz, frágil en ocasiones, pero siempre poéticamente destacada. 

   Apuesta de justicia histórica, este rescate acerca un título ya clásico de las programaciones mundiales y lo hace con respeto a épocas y estéticas, fiel a su espíritu en continente y contenido y emoción en momentos cumbre. La preponderancia de los aspectos visuales de la deslumbrante y riquísima escenografía no apaga los ecos de voces y acordes.

Lo mejor:

Vestuario y diseño escénico, con un cromatismo semánticamente relevante.

Lo peor:

La desigualdad en las voces, sobre todo las masculinas.